Pintura por números – nu

O nu figurativo impõe um rigor que a pintura de paisagens ignora: a mais pequena proporção mal representada salta à vista, mesmo para um espectador inexperiente. Um kit de pintura por números de nus mantém essa exigência de precisão, ao mesmo tempo que elimina o obstáculo do desenho preparatório. Cada zona numerada corresponde a um valor tonal preciso na tez, o que permite reproduzir os degradés de sombra sem ter estudado anatomia durante anos.

Pintar a carnacão: sombras e nuances do corpo humano

A dificuldade do nu não reside no contorno do corpo, mas na própria carnacidade. Uma pele iluminada de frente utiliza apenas 3 a 4 tons; sob luz rasante, um pintor trabalha com 6 a 8 nuances para reproduzir a transição da claridade para a sombra projetada sob uma clavícula ou um joelho. Os kits seguem este princípio, numerando separadamente as zonas de luz direta, penumbra e sombra propriamente dita, com tons frequentemente próximos do ocre amarelo, da terra de Siena natural e da terra de sombra queimada, os três pigmentos utilizados nos ateliês para a tez antes do advento dos acrílicos sintéticos. O resultado evita o efeito plano que denota um nu mal executado, em que toda a pele recebe a mesma tonalidade uniforme.

Nu feminino, nu masculino, casal: três lógicas de composição diferentes

Um nu feminino joga tradicionalmente com as curvas e a torção do busto, uma pose que Ingres levou ao extremo em 1814 com A Grande Odalisca, onde a coluna vertebral conta com várias vértebras a mais do que a anatomia real para acentuar a sinuosidade. Um nu masculino assenta mais na estrutura muscular e na linha dos ombros, com contrastes de valor mais acentuados nas zonas ósseas: clavícula, joelho, tornozelo. O nu com duas figuras acrescenta uma dificuldade adicional: o equilíbrio das massas entre os dois corpos e a coerência da fonte de luz comum, um exercício que os kits para casais abordam atribuindo um número de sombra partilhado às zonas de contacto entre as duas figuras.

Uma história do nu que vai além da mera questão estética

O nu académico ensinado nos ateliês do século XIX servia um objetivo preciso: treinar o olho para a proporção antes de abordar qualquer outro tema, seja retrato ou paisagem. Esta hierarquia ruiu em 1863, quando Manet expôs Olympia no Salão de Paris e provocou um escândalo, não pela nudez em si, já aceite nas cenas mitológicas, mas porque a modelo olha o espectador diretamente nos olhos, retirando o nu da sua função alegórica. Reproduzir hoje este tipo de composição em série permite compreender, a partir de dentro, por que razão uma escolha de olhar ou de postura altera completamente a leitura de uma tela, muito para além da mera mistura de cores.

Escolher o formato e começar sem experiência prévia

Os formatos mais adequados para o nu situam-se entre 40×50 cm e 50×70 cm: abaixo de 30×40 cm, os degradés de tom de pele perdem legibilidade por falta de superfície suficiente para espalhar as transições de tom. Cada kit contém uma tela pré-traçada, frascos de tinta acrílica numerados, dois ou três pincéis de tamanhos diferentes (fino para os contornos do rosto e das mãos, mais largo para as áreas planas da pele) e um suporte de fixação.

• Principiante: comece por um nu de perfil, menos exigente em termos de perspetiva do que uma pose de frente ou de três quartos
• Pintor experiente: opte por um formato de casal ou por uma pose em contraluz, que exige mais nuances de sombra

Preveja entre 8 e 15 horas de trabalho, distribuídas por várias sessões, para um formato de 40×50 cm, uma vez que a tonalidade da pele requer geralmente duas a três camadas para cobrir uniformemente a tela sem deixar transparecer o traçado numerado subjacente.